Si es un amante del arte, un coleccionista, un artista o simplemente un visitante habitual de una galería, es probable que haya escuchado a personas hablar sobre «arte sostenible».
Afortunadamente, la idea de vivir verde se ha convertido en una tendencia cada vez más popular, y el mundo del arte no es una excepción. A medida que las personas de todo el mundo se vuelven más conscientes de la conciencia global y nuestra necesidad colectiva de proteger la Tierra, vemos cada vez más artistas que adoptan este concepto y trabajan en el ámbito del arte sostenible.
Pero, ¿qué es el arte sostenible, cómo se define y quién lo hace?
Como muchos aspectos del mundo del arte, el concepto de arte sostenible se puede definir de muchas maneras. Algunos artistas lo definen como obras de arte que abordan o critican problemas ambientales, mientras que otros artistas se identifican como artistas ecológicos porque sus materiales y prácticas de estudio tienen una huella ecológica o están hechos principalmente con materiales reciclados.
Para obtener más información y ampliar la definición, me sumergí más en el tema de la sostenibilidad y contacté a una variedad de expertos en el campo.
Una breve perspectiva histórica del arte
Si bien a algunos les puede parecer que la idea de arte sostenible es un término relativamente nuevo, la verdad es que los artistas han estado trabajando en este campo durante bastante tiempo. Sin embargo, a menudo fueron etiquetados como artistas conceptuales o ecoartistas porque utilizaron el medio ambiente y la sostenibilidad como un trampolín ecológico para sus ideas.
Nos comunicamos con el Dr. Michael Bieze, un profesor de historia del arte, para ver cómo define el arte sostenible y para preguntarle a qué artistas señalaría como los pioneros históricos de este campo. En respuesta a mi consulta, el Dr. Bieze escribió:
“Los debates sobre la sostenibilidad y el arte suelen considerar el land/earth art y el arte conceptual como punto de partida. Sin embargo, si imaginamos la sustentabilidad dentro de un marco de arte ético que conecta la naturaleza, las matemáticas, la ciencia, la política, la estética, la agricultura y la participación del público, entonces el campo se amplía para incluir todo, desde el Partenón hasta las representaciones de la Sociedad Sande”.
Analicemos de qué está hablando el Dr. Bieze cuando menciona la tierra y el arte conceptual.
Arte conceptual
El arte conceptual tiene sus raíces en una idea y donde la intención del artista tiene prioridad sobre el producto terminado. El énfasis está en el significado de la pieza más que en la creación de un objeto que uno pueda poseer, como una pintura, una fotografía o una escultura.
Algunas características centrales del arte conceptual son a menudo obras específicas del sitio de naturaleza efímera. Muchos artistas conceptuales utilizan materiales típicamente cotidianos y «objetos encontrados».
Comprender esta definición facilita ver cómo los artistas conceptuales que trabajaron en artes ambientales fueron pioneros en el movimiento sostenible.
Arte de la Tierra
A fines de la década de 1960 y 1970, varios artistas comenzaron a desafiar el modelo de galería tradicional al presentar una noción vanguardista de escultura en la que el trabajo era específico del sitio e incorporaba el medio ambiente como medio.
En 1968, Robert Smithson definió célebremente el movimiento cuando organizó una exposición titulada Earthworks. Luego, en la primavera de 1970, hizo su movimiento de tierra más notable, su embarcadero en espiral, en la península de Rozel Point en la costa noreste del Gran Lago Salado. Smithson’s Spiral Jetty se formó utilizando más de seis mil toneladas de rocas de basalto negro y tierra del sitio para hacer una espiral de 1,500 pies de largo y 15 pies de ancho que serpentea en sentido antihorario desde la costa hasta el agua.
A mediados de la década de 1980, Andy Goldsworthy, un ahora conocido artista británico famoso por sus instalaciones específicas del sitio, comenzó a hacer arte en Escocia inspirado por Robert Smithson. Usando rocas, hielo, barro, piñas, hojas o ramas, Goldsworthy crea esculturas efímeras específicas del sitio que evolucionan y se deterioran. Famoso por sus esculturas de roca en equilibrio, Goldsworthy abraza la naturaleza efímera de su arte y usa sus habilidades como fotógrafo para capturar sus creaciones.
Otra figura destacada en el campo es Agnes Denes. Una retrospectiva de su carrera de 50 años se encuentra actualmente en exhibición en Nueva York en The Shed.
Desglosando el tema aún más, el Dr. Bieze pasó a señalar una variedad de artistas conocidos que han estado trabajando en el campo. Para aquellos que buscan una comprensión histórica más profunda, los insto a hacer clic en estos nombres para ver el trabajo de:
- Xu-Bing
- El Anatsui
- mel barbilla
- Tomas Cole
- marca dion
- Chris Jordan
- Pam Longobardi
- eva mosher
- gabriel orozco
- Cornelia Parker
Artistas Sostenibles Contemporáneos
Como artista residente en Brooklyn, tengo una gran red de amigos en la comunidad artística. Así que, naturalmente, recurrí a mis compañeros y contemporáneos para preguntarles quién está haciendo arte sostenible emocionante hoy y cómo definen su trabajo. Para mi sorpresa, todas las personas con las que hablé parecían tener un punto de vista diferente sobre el arte sostenible y lo que significaba para ellos el concepto de sostenibilidad.
Jaynie Gillman Crimmins
Uno de los artistas más fascinantes que descubrí trabajando en este género es Jaynie Gillman Crimmins. Crimmins, cuyo trabajo se realiza utilizando papeles triturados provenientes del correo basura, comenzó a trabajar con papeles triturados en 2009 como resultado directo de la crisis financiera cuando comenzó a triturar sus propios estados financieros y unirlos.
Hablando con Crimmins sobre su trabajo, explicó:
“Fabrica objetos con minuciosos detalles artesanales que contrastan con la banalidad de sus materiales. Al reutilizar solicitudes, sobres de seguridad y catálogos que son difíciles de reciclar (porque sus tintas tienen altas concentraciones de metales pesados), mi trabajo explora el consumismo y el desperdicio a través de una práctica repetitiva que refleja las tareas domésticas.
Triturar estas herramientas de marketing descompone su composición física y atribuida para que pueda enrollar, doblar, coser y fabricar los fragmentos en relieves escultóricos íntimos. El proceso, la superficie y la textura remodelan los mensajes formulados en formas basadas en impresiones de recuerdos y observaciones. Los mensajes convencionales e impersonales se convierten en narrativas personales, domésticas y culturales”.
Meticuloso en la atención al detalle, se puede ver en un instante que el trabajo de Crimmins es un trabajo de amor. Ella dedica una cantidad extrema de tiempo y paciencia a la fabricación de una pieza.
Crimmins dijo que ve el proceso de creación como una meditación.
“Las piezas abovedadas y ‘En busca de la belleza #5’ [que considero obras más grandes] tardan entre 3 y 6 meses”, explicó.
El trabajo de Crimmins sirve como un excelente ejemplo de la reutilización de materiales de desecho en obras de arte elaboradas y preciosas. Cuando se le preguntó cómo define el movimiento de sostenibilidad en el arte, Crimmins dijo: «El arte sostenible considera ciertos principios; para mí, es el examen y la contemplación de los problemas que afectan el medio ambiente y la conexión con las situaciones culturales».
¿Te gusta lo que ves? Puedes ver más de su trabajo aquí.
O bien, si está dando vueltas por los Emiratos Árabes Unidos preguntándose qué hacer después de visitar la ciudad de Masdar, entonces puede dirigirse al Festival de Artes Islámicas en Sharjah, donde Crimmins exhibirá desde diciembre de 2019 hasta enero de 2020. Si esa distancia es demasiado lejos para viajar, Crimmins también muestra a nivel nacional y está representada por K. Imperial Fine Art en San Francisco, CA y Mason Fine Art en Atlanta, GA.
Susan Beallor-Snyder
Cuando comencé a buscar en la comunidad artística de Nueva York personas interesantes que trabajaran con la sustentabilidad en mente, una de las artistas más notables que descubrí fue Susan Beallor-Snyder. Fascinado con sus esculturas de cuerda cruda a gran escala, tenía curiosidad por saber más sobre el proceso de Beallor-Snyder y cómo su trabajo encaja en la categoría.
La historia de Beallor-Snyder inmediatamente me intrigó. Resulta que Beallor-Snyder llegó a trabajar con cuerdas por casualidad. Estaba en un estado emocional, confundido y frustrado. En 2011, estaba literalmente hecha un nudo cuando recurrió por primera vez a Natural Manila Rope como medio para expresar y evocar estos sentimientos.
Según Beallor-Snyder, quería «crear un trabajo que representara el lado oscuro más extremo de mi vida tal como era».
Ampliando esta idea, Beallor-Snyder dijo: “Cuando creé mi primera pieza, estaba viviendo la vida de una esposa corporativa con dos hijos, 3 perros, moviéndome por el país por el trabajo de mi esposo y entreteniendo y renovando constantemente. No pude comprender mi propia práctica de estudio y permití que todo lo demás tomara el centro del escenario mientras mi trabajo quedaba en un segundo plano. Estaba frustrado y comenzaba a sentirme resentido. Aquí fue donde comenzó esta serie”.
En una búsqueda para encontrar el material adecuado para expresar sus sentimientos, Beallor-Snyder fue a Home Depot y vio la cuerda Natural Manila.
“Era áspero y olía a una especie de aceite almizclado”, dijo. “Los pequeños fragmentos eran incómodos de tocar. ¡Fue perfecto!»
La cuerda de Manila, que está hecha de fibras naturales de abacá, recibe su nombre de las Filipinas, donde crece el abacá. La fibra de abacá, a diferencia de la mayoría de las demás fibras de hojas, se obtiene de los tallos de las hojas de las plantas.
La planta de Abaca crece bastante rápido. Debido a que se considera una planta útil para evitar la erosión, se considera que el abacá es muy respetuoso con el medio ambiente.
Al descubrir esta cuerda en Home Depot, Beallor-Snyder inmediatamente compró todas las existencias de la tienda y regresó a su estudio donde comenzó a tejer y a descubrir cómo expresar sus emociones con la cuerda.
Sentada en el piso de su estudio, Beallor-Snyder imaginó fragmentos de sonido de todas las personas en su vida que contribuyeron con la presión y la crítica. Ella dijo que imaginó a “suegra, esposo, madre criticándome o juzgándome; mis hijos quejándose, o exigiendo, los perros ladrando, los trabajadores necesitando decisiones, portazos, vidrios rotos. Todas las voces se superponen”.
Desde este lugar, comenzó a crear un tejido complejo en el que literalmente se enredaba en la cuerda parándose sobre la pieza y balanceando su cuerpo hacia adelante y hacia atrás.
Beallor-Snyder describió este proceso como “algo difícil”. Dijo que había un dolor físico real como resultado de trabajar tan intensamente con el material.
“Es doloroso que me entren fragmentos en los dedos y tuve que sacarlos con pinzas”, dijo. “El trabajo es cada vez más difícil con el paso de los años. Ahora tengo 62 años y tener que cargar y mover las cajas de cuerda es un desafío, así como el trabajo, ya que necesito usar hebras largas y luego paso gran parte del tiempo desenredando y tirando de la cuerda para obtener astillas y todo dolorido y rígido. Sin embargo, también me encanta el resultado y cada pieza es tan diferente de la anterior que me mantiene con ganas de ver a dónde irá. Me siento como un recipiente para el trabajo. Viene del más allá y, a veces, me paro atrás o me subo a una escalera alta y pregunto a dónde quiere ir”.
Siguiendo el ejemplo de Beallor-Snyder, ataré mis pensamientos y concluiré diciendo que estén atentos. El hilo de esta idea es uno que muchos artistas de hoy están tirando con resultados fascinantes. Planeo continuar buscando quién está allanando un camino artístico y sostenible interesante y ampliar más sobre el trabajo y las ideas de artistas individuales pronto.